viernes, 28 de octubre de 2016

Orquesta Romantica

L
as orquestas románticas tenían hasta 100 instrumentistas o más, y contó con un mayor uso de latón y piano. La música romántica como un movimiento evolucionó a partir de los formatos, géneros e ideas musicales establecidos en períodos anteriores, como el período clásico, y fue más lejos en el nombre de expresión y sincretismo de diferentes formas de arte con la música. Romanticismo no necesariamente se refiere al amor romántico, sin embargo, que el tema era frecuente en muchas obras compuestas durante este período de tiempo, tanto en la literatura, la pintura o la música. Romanticismo siguió un camino que condujo a la expansión de las estructuras formales para un conjunto de composiciones hacia abajo o, al menos, creado en sus líneas generales en períodos anteriores, y el resultado final es que las piezas son "entendidos" a ser más apasionado y expresivo, tanto por siglo 19 y el público de hoy. Debido a la expansión de la forma (los elementos relativos a la forma, clave, instrumentación y similares) dentro de una composición típica, y las crecientes idiosincrasia y expresividad de los nuevos compositores del nuevo siglo, se convirtió así en más fácil identificar un artista basado en su trabajo o estilo.
Un hecho considerable, y que no siempre se ha tenido muy en cuenta, fue la mayor dimensión de la nueva sala de conciertos. De ahí se desprende un aspecto funcional del hecho acústico que dará lugar a nuevas potencialidades sonoras y en donde el campo de intensidades, los forte y los piano, aumentarán su ímpetu y suavidad, así como su poética de contraste.
Lógicamente, la orquesta había de contribuir con sus timbres y su estructura evolutiva a afianzar este estado de cosas. Así pues, la presencia del clarinete como instrumento de reciente adopción -que empezó a afianzarse en las obras de Mozart tomó  cuerpo sustancial en la obra orquestal de Beethoven y fue a partir de este momento un timbre imprescindible en la orquesta.
Sin embargo, la envergadura de la nueva orquesta hizo sentir cada vez más la limitación de los instrumentos de embocadura como la trompa o la trompeta, que obligaban a hacer mil equilibrios al compositor. La función que desempeñaron en el nuevo organismo siguió siendo la del tradicional sostenimiento de la armonía y la de potenciar, en lo posible, la sonoridad plena. Pero estos instrumentos, incluida la tuba, rudimentarios aún en esa época, deberán esperar hasta mediados de siglo para encontrar su principal desarrollo con la invención de los pistones, mecanismo que permitirá la unificación general de la escala. Aunque Beethoven tuvo que luchar contra todos estos escollos técnicos, sus aportaciones en el campo de la orquestación fueron extraordinarias. Si bien su plantilla instrumental es bastante similar a la utilizada por Mozart en su última época, aun cuando añadió trombones, flautín o contrafagot en alguna de sus sinfonías y en la Novena amplió el grupo de la percusión, su tratamiento de la orquesta, más enérgico e impetuoso, tiene otra dimensión. Así mismo dará también a los instrumentos solistas del grupo de la madera (flauta, oboe, clarinete o fagot) un valor expresivo todavía inédito; las cuerdas adquirirán una fuerza dramática, un vigor de sonoridad insospechada hasta entonces, oponiendo a este grupo el de la madera y el del metal hasta alcanzar una intensidad de colorido y una acentuación rítmica completamente originales.




Instrumentos de viento
Piccolo
2 flautas de concierto occidentales
2 oboes
2 clarinetes soprano
2 Fagotes
Contrabassoon

Percusión
2 Timpani (interpretado por uno timpanist)
tambor militar pequeño
Tambor de bajo
platillos
Triángulo
Pandereta
glockenspiel

Latón
4 cuernos con válvulas
2 trompetas con válvulas
3 trombones
Tuba

Instrumentos de cuerda
14 violines 1
12 violines 2
10 violas
8 violoncelos
6 contrabajos
1 Arpa

Cibergrafía

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Concierto

U
n concierto es una composición musical, cuyas características han cambiado con el tiempo. En el siglo 17, "obras sacras para voces y orquesta se suele llamar conciertos. J.S. Bach estaba reflejando así una larga tradición cuando usó el título` concierto 'de muchas de las obras que conocemos como cantatas. ". Sin embargo, en los últimos siglos, hasta el presente, un concierto es una pieza compuesta generalmente en tres partes o movimientos, en la que (generalmente) un solo de instrumento (por ejemplo, un piano de, violín, cello o flauta) está acompañada por una orquesta o banda.
La etimología es incierta, pero la palabra parece haberse originado a partir de la conjunción de las dos palabras latinas conserere (que significa atar, para unirse, para tejer) y el certamen (la competencia, lucha): la idea es que las dos partes en un concierto, el solista y la orquesta o banda de concierto signifiquen episodios alternos de la oposición, la cooperación y la independencia en la creación de una oleada de la música.
El concierto, como se entiende en esta forma moderna, surgió en el barroco lado a lado con periodo del concerto grosso, que contrastaba un pequeño grupo de instrumentos llamados un concertino con el resto de la orquesta, llamado el ripieno. La popularidad de la forma de concerto grosso declinó después del período barroco, y el género no fue restablecido hasta el siglo 20. El concierto en solitario, sin embargo, se ha mantenido una fuerza musical importante desde su creación hasta el día de hoy.
Los conciertos de los hijos de Johann Sebastian Bach, por ejemplo, CPE Bach, son quizás los mejores vínculos entre los del período barroco y los de la era clásica.
Es convencional para afirmar que los primeros movimientos de conciertos de la época clásica en adelante siguen la estructura de la forma sonata. Movimientos finales son a menudo en rondo forma, como en el de JS Bach Mi Mayor Concierto para violín.
Conciertos para violín
Mozart escribió cinco conciertos para violín, todos en 1775. Ellos muestran una serie de influencias, tales como el italiano y austríaco. Varios pasajes tienen inclinaciones hacia la música popular, tal como se manifiesta en Austrian serenatas. Mozart también escribió el muy respetado Sinfonía concertante para violín, viola y orquesta.
Beethoven escribió un único concierto para violín, bajo-apreciada hasta revelado como una obra maestra en la actuación de un virtuoso del violín Joseph Joachim .
Conciertos para violonchelo
Haydn escribió al menos dos conciertos para violonchelo (por violoncelo, oboes, trompas, y cuerdas), que son las obras más importantes de este género de la época clásica. Sin embargo, de CPE Bach tres conciertos para violonchelo y Boccherini También son dignos de mención.

Conciertos para teclado
Los conciertos para teclado de Bach CPE contienen una cierta escritura de solistas brillante. Algunos de ellos tienen movimientos que se ejecutan entre sí sin un descanso, y no son frecuentes entre movimientos referencias temáticas.
Mozart, como un niño, hizo los arreglos para teclado y orquesta de cuatro sonatas de compositores ahora poco conocidos. El arregló tres movimientos de sonata de Johann Christian Bach. En el momento en que él tenía veinte años, Mozart fue capaz de escribir ritornelli concierto que dio la orquesta admirable oportunidad para afirmar su carácter en una exposición con unos cinco o seis temas fuertemente contrastadas, antes de que el solista entra dar más detalles sobre el material. De sus 27 conciertos para piano, aquellos con números de cinco en un máximo son muy apreciados.
Haydn escribió una docena de conciertos para teclado catalogados, de los cuales sólo tres o cuatro son considerados auténticos.
Conciertos para otros instrumentos
CPE Bach escribió cuatro conciertos para flauta y dos conciertos para oboe.
Bohemio compositor Francesco Antonio Rosetti compuesto por varias exposiciones individuales y conciertos para trompa doble. Era un contribuyente importante al género de los conciertos de cuerno en el siglo 18. La mayoría de sus conciertos cuerno pendientes fueron compuestas entre 1782 y 1789 para el dúo de Bohemia Franz Zwierzina y José Nage, mientras que en la corte bávara de Oettingen-Wallerstein. Una de sus obras más conocidas de este género es su Concierto para trompa en mi bemol mayor C49 / K III: 36. Consta de tres movimientos: Allegro moderato 1. 2. 3. Rondo Pareja
Muchas de las características comunes del estilo Galant están presentes en el estilo de música y composición de Rosetti. En su cuerno plano E concierto, oímos frases periódicas y cortas, ritmo armónico Galant y la reducción de la línea melódica. La influencia de Rosetti en el siglo 18 compositores, músicos y la música era considerable. En la corte bávara de Oettingen-Wallerstein, su música se realiza a menudo por los conjuntos Wallerstein. En París, sus composiciones fueron realizadas por los mejores conjuntos de la ciudad, incluyendo la orquesta sinfónica de la Spirituel. Sus editores eran Le Menu et Boyer y Sieber. De acuerdo con HC Robbins Landon (Mozart scholar), conciertos de cuerno de Rosetti podrían haber sido un modelo para los conciertos de cuerno de Mozart.
Mozart escribió un concierto para cada uno para flauta, oboe (más tarde reorganizado para flauta y conocido como Concierto para flauta 2), clarinete y fagot , cuatro para la bocina , un Concierto para flauta, arpa y orquesta , y Exsultate , una de facto concierto para voz de soprano. Todos ellos explotan y exploran las características del instrumento (s) en solitario.

Haydn escribió un importante concierto para trompeta y una Sinfonía Concertante para violín, violonchelo, oboe y fagot, así como dos conciertos de cuerno.
Muchos de los conciertos escritos en el siglo 20 pertenecen más a la escuela romántica tarde que a cualquier movimiento modernista. Obras de maestras fueron escritas por Edward Elgar (un concierto para violín y un concierto para cello), Sergei Rachmaninoff y Nikolai Medtner (cuatro y tres conciertos para piano, respectivamente), Jean Sibelius (un concierto para violín), Frederick Delius (un concierto para violín, un concierto para cello, un concierto para piano y un doble concierto para violín y cello ), Karol Szymanowski (dos conciertos para violín y una "Sinfonía Concertante" para piano), y Richard Strauss (dos conciertos de cuerno, un concierto para violín, Don Quijote : un poema de tono, que cuenta con el cello como solista- y entre los trabajos posteriores, un concierto para oboe ).
Sin embargo, en las primeras décadas del siglo 20, varios compositores como Debussy, Schoenberg, Berg, Hindemith, Stravinsky, Prokofiev y Bartók comenzaron a experimentar con ideas que habrían de tener consecuencias de largo alcance para la forma en que la música está escrita y, en algunos casos, llevan a cabo. Algunas de estas innovaciones incluyen un uso más frecuente de la modalidad , la exploración de los escalas no occidentales, el desarrollo de la atonalidad, la aceptación más amplia de disonancias, la invención de la técnica dodecafónica de la composición y el uso de la polirritmia y complejos de compás.

Estos cambios también afectaron el concierto como una forma musical. Al lado de los efectos más o menos radicales en lenguaje musical, que condujeron a una redefinición del concepto de virtuosismo con el fin de incluir técnicas instrumentales nuevos y ampliados, así como un enfoque en los aspectos de sonido que había sido descuidado o incluso ignorado antes como terreno de juego , el timbre y la dinámica . En algunos casos, también provocaron un nuevo enfoque para el papel del solista y su relación con la orquesta.






Cibergrafía

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