viernes, 28 de octubre de 2016

Orquesta Romantica

L
as orquestas románticas tenían hasta 100 instrumentistas o más, y contó con un mayor uso de latón y piano. La música romántica como un movimiento evolucionó a partir de los formatos, géneros e ideas musicales establecidos en períodos anteriores, como el período clásico, y fue más lejos en el nombre de expresión y sincretismo de diferentes formas de arte con la música. Romanticismo no necesariamente se refiere al amor romántico, sin embargo, que el tema era frecuente en muchas obras compuestas durante este período de tiempo, tanto en la literatura, la pintura o la música. Romanticismo siguió un camino que condujo a la expansión de las estructuras formales para un conjunto de composiciones hacia abajo o, al menos, creado en sus líneas generales en períodos anteriores, y el resultado final es que las piezas son "entendidos" a ser más apasionado y expresivo, tanto por siglo 19 y el público de hoy. Debido a la expansión de la forma (los elementos relativos a la forma, clave, instrumentación y similares) dentro de una composición típica, y las crecientes idiosincrasia y expresividad de los nuevos compositores del nuevo siglo, se convirtió así en más fácil identificar un artista basado en su trabajo o estilo.
Un hecho considerable, y que no siempre se ha tenido muy en cuenta, fue la mayor dimensión de la nueva sala de conciertos. De ahí se desprende un aspecto funcional del hecho acústico que dará lugar a nuevas potencialidades sonoras y en donde el campo de intensidades, los forte y los piano, aumentarán su ímpetu y suavidad, así como su poética de contraste.
Lógicamente, la orquesta había de contribuir con sus timbres y su estructura evolutiva a afianzar este estado de cosas. Así pues, la presencia del clarinete como instrumento de reciente adopción -que empezó a afianzarse en las obras de Mozart tomó  cuerpo sustancial en la obra orquestal de Beethoven y fue a partir de este momento un timbre imprescindible en la orquesta.
Sin embargo, la envergadura de la nueva orquesta hizo sentir cada vez más la limitación de los instrumentos de embocadura como la trompa o la trompeta, que obligaban a hacer mil equilibrios al compositor. La función que desempeñaron en el nuevo organismo siguió siendo la del tradicional sostenimiento de la armonía y la de potenciar, en lo posible, la sonoridad plena. Pero estos instrumentos, incluida la tuba, rudimentarios aún en esa época, deberán esperar hasta mediados de siglo para encontrar su principal desarrollo con la invención de los pistones, mecanismo que permitirá la unificación general de la escala. Aunque Beethoven tuvo que luchar contra todos estos escollos técnicos, sus aportaciones en el campo de la orquestación fueron extraordinarias. Si bien su plantilla instrumental es bastante similar a la utilizada por Mozart en su última época, aun cuando añadió trombones, flautín o contrafagot en alguna de sus sinfonías y en la Novena amplió el grupo de la percusión, su tratamiento de la orquesta, más enérgico e impetuoso, tiene otra dimensión. Así mismo dará también a los instrumentos solistas del grupo de la madera (flauta, oboe, clarinete o fagot) un valor expresivo todavía inédito; las cuerdas adquirirán una fuerza dramática, un vigor de sonoridad insospechada hasta entonces, oponiendo a este grupo el de la madera y el del metal hasta alcanzar una intensidad de colorido y una acentuación rítmica completamente originales.




Instrumentos de viento
Piccolo
2 flautas de concierto occidentales
2 oboes
2 clarinetes soprano
2 Fagotes
Contrabassoon

Percusión
2 Timpani (interpretado por uno timpanist)
tambor militar pequeño
Tambor de bajo
platillos
Triángulo
Pandereta
glockenspiel

Latón
4 cuernos con válvulas
2 trompetas con válvulas
3 trombones
Tuba

Instrumentos de cuerda
14 violines 1
12 violines 2
10 violas
8 violoncelos
6 contrabajos
1 Arpa

Cibergrafía

Slideplayer.es. (2016). 1. Grandes formas instrumentales 1.1. Sinfonía y ConciertoSinfonía y Concierto 1.2. Música programáticaMúsica programática 2. Pequeñas formas 2.1. El liedEl. - ppt descargar. [online] Available at: http://slideplayer.es/slide/3273609/ [Accessed 28 Oct. 2016].

March.es. (2016). La orquesta romántica – Todos tocan juntos: La historia de la orquesta – Guías didácticas – Recitales para Jóvenes – Música • Fundación Juan March. [online] Available at: http://www.march.es/musica/jovenes/todos-tocan-juntos/romantica.asp [Accessed 28 Oct. 2016].

Es.slideshare.net. (2016). Musicograma La Orquesta. [online] Available at: http://es.slideshare.net/jimeniuss/musicograma-la-orquesta-15318958 [Accessed 28 Oct. 2016].

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Concierto

U
n concierto es una composición musical, cuyas características han cambiado con el tiempo. En el siglo 17, "obras sacras para voces y orquesta se suele llamar conciertos. J.S. Bach estaba reflejando así una larga tradición cuando usó el título` concierto 'de muchas de las obras que conocemos como cantatas. ". Sin embargo, en los últimos siglos, hasta el presente, un concierto es una pieza compuesta generalmente en tres partes o movimientos, en la que (generalmente) un solo de instrumento (por ejemplo, un piano de, violín, cello o flauta) está acompañada por una orquesta o banda.
La etimología es incierta, pero la palabra parece haberse originado a partir de la conjunción de las dos palabras latinas conserere (que significa atar, para unirse, para tejer) y el certamen (la competencia, lucha): la idea es que las dos partes en un concierto, el solista y la orquesta o banda de concierto signifiquen episodios alternos de la oposición, la cooperación y la independencia en la creación de una oleada de la música.
El concierto, como se entiende en esta forma moderna, surgió en el barroco lado a lado con periodo del concerto grosso, que contrastaba un pequeño grupo de instrumentos llamados un concertino con el resto de la orquesta, llamado el ripieno. La popularidad de la forma de concerto grosso declinó después del período barroco, y el género no fue restablecido hasta el siglo 20. El concierto en solitario, sin embargo, se ha mantenido una fuerza musical importante desde su creación hasta el día de hoy.
Los conciertos de los hijos de Johann Sebastian Bach, por ejemplo, CPE Bach, son quizás los mejores vínculos entre los del período barroco y los de la era clásica.
Es convencional para afirmar que los primeros movimientos de conciertos de la época clásica en adelante siguen la estructura de la forma sonata. Movimientos finales son a menudo en rondo forma, como en el de JS Bach Mi Mayor Concierto para violín.
Conciertos para violín
Mozart escribió cinco conciertos para violín, todos en 1775. Ellos muestran una serie de influencias, tales como el italiano y austríaco. Varios pasajes tienen inclinaciones hacia la música popular, tal como se manifiesta en Austrian serenatas. Mozart también escribió el muy respetado Sinfonía concertante para violín, viola y orquesta.
Beethoven escribió un único concierto para violín, bajo-apreciada hasta revelado como una obra maestra en la actuación de un virtuoso del violín Joseph Joachim .
Conciertos para violonchelo
Haydn escribió al menos dos conciertos para violonchelo (por violoncelo, oboes, trompas, y cuerdas), que son las obras más importantes de este género de la época clásica. Sin embargo, de CPE Bach tres conciertos para violonchelo y Boccherini También son dignos de mención.

Conciertos para teclado
Los conciertos para teclado de Bach CPE contienen una cierta escritura de solistas brillante. Algunos de ellos tienen movimientos que se ejecutan entre sí sin un descanso, y no son frecuentes entre movimientos referencias temáticas.
Mozart, como un niño, hizo los arreglos para teclado y orquesta de cuatro sonatas de compositores ahora poco conocidos. El arregló tres movimientos de sonata de Johann Christian Bach. En el momento en que él tenía veinte años, Mozart fue capaz de escribir ritornelli concierto que dio la orquesta admirable oportunidad para afirmar su carácter en una exposición con unos cinco o seis temas fuertemente contrastadas, antes de que el solista entra dar más detalles sobre el material. De sus 27 conciertos para piano, aquellos con números de cinco en un máximo son muy apreciados.
Haydn escribió una docena de conciertos para teclado catalogados, de los cuales sólo tres o cuatro son considerados auténticos.
Conciertos para otros instrumentos
CPE Bach escribió cuatro conciertos para flauta y dos conciertos para oboe.
Bohemio compositor Francesco Antonio Rosetti compuesto por varias exposiciones individuales y conciertos para trompa doble. Era un contribuyente importante al género de los conciertos de cuerno en el siglo 18. La mayoría de sus conciertos cuerno pendientes fueron compuestas entre 1782 y 1789 para el dúo de Bohemia Franz Zwierzina y José Nage, mientras que en la corte bávara de Oettingen-Wallerstein. Una de sus obras más conocidas de este género es su Concierto para trompa en mi bemol mayor C49 / K III: 36. Consta de tres movimientos: Allegro moderato 1. 2. 3. Rondo Pareja
Muchas de las características comunes del estilo Galant están presentes en el estilo de música y composición de Rosetti. En su cuerno plano E concierto, oímos frases periódicas y cortas, ritmo armónico Galant y la reducción de la línea melódica. La influencia de Rosetti en el siglo 18 compositores, músicos y la música era considerable. En la corte bávara de Oettingen-Wallerstein, su música se realiza a menudo por los conjuntos Wallerstein. En París, sus composiciones fueron realizadas por los mejores conjuntos de la ciudad, incluyendo la orquesta sinfónica de la Spirituel. Sus editores eran Le Menu et Boyer y Sieber. De acuerdo con HC Robbins Landon (Mozart scholar), conciertos de cuerno de Rosetti podrían haber sido un modelo para los conciertos de cuerno de Mozart.
Mozart escribió un concierto para cada uno para flauta, oboe (más tarde reorganizado para flauta y conocido como Concierto para flauta 2), clarinete y fagot , cuatro para la bocina , un Concierto para flauta, arpa y orquesta , y Exsultate , una de facto concierto para voz de soprano. Todos ellos explotan y exploran las características del instrumento (s) en solitario.

Haydn escribió un importante concierto para trompeta y una Sinfonía Concertante para violín, violonchelo, oboe y fagot, así como dos conciertos de cuerno.
Muchos de los conciertos escritos en el siglo 20 pertenecen más a la escuela romántica tarde que a cualquier movimiento modernista. Obras de maestras fueron escritas por Edward Elgar (un concierto para violín y un concierto para cello), Sergei Rachmaninoff y Nikolai Medtner (cuatro y tres conciertos para piano, respectivamente), Jean Sibelius (un concierto para violín), Frederick Delius (un concierto para violín, un concierto para cello, un concierto para piano y un doble concierto para violín y cello ), Karol Szymanowski (dos conciertos para violín y una "Sinfonía Concertante" para piano), y Richard Strauss (dos conciertos de cuerno, un concierto para violín, Don Quijote : un poema de tono, que cuenta con el cello como solista- y entre los trabajos posteriores, un concierto para oboe ).
Sin embargo, en las primeras décadas del siglo 20, varios compositores como Debussy, Schoenberg, Berg, Hindemith, Stravinsky, Prokofiev y Bartók comenzaron a experimentar con ideas que habrían de tener consecuencias de largo alcance para la forma en que la música está escrita y, en algunos casos, llevan a cabo. Algunas de estas innovaciones incluyen un uso más frecuente de la modalidad , la exploración de los escalas no occidentales, el desarrollo de la atonalidad, la aceptación más amplia de disonancias, la invención de la técnica dodecafónica de la composición y el uso de la polirritmia y complejos de compás.

Estos cambios también afectaron el concierto como una forma musical. Al lado de los efectos más o menos radicales en lenguaje musical, que condujeron a una redefinición del concepto de virtuosismo con el fin de incluir técnicas instrumentales nuevos y ampliados, así como un enfoque en los aspectos de sonido que había sido descuidado o incluso ignorado antes como terreno de juego , el timbre y la dinámica . En algunos casos, también provocaron un nuevo enfoque para el papel del solista y su relación con la orquesta.






Cibergrafía

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Es.wikipedia.org. (2016). Concierto (forma musical). [online] Available at: https://es.wikipedia.org/wiki/Concierto_(forma_musical) [Accessed 28 Oct. 2016].

Euterpemusa.blogspot.mx. (2016). Concierto Clásico. [online] Available at: http://euterpemusa.blogspot.mx/2011/06/concierto-clasico.html [Accessed 28 Oct. 2016].

Melómanos. (2016). Concierto I Formas Musicales I Melómanos.com. [online] Available at: http://www.melomanos.com/la-musica/formas-musicales/concierto/ [Accessed 28 Oct. 2016].

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Periodo Neoclásico

N
eoclasicismo en la música era una tendencia del siglo XX, particularmente actual en el período entre las dos guerras mundiales, en los que los compositores trataron de regresar a los cánones estéticos asociados con el concepto definido en términos generales de " clasicismo ", es decir, el orden, el equilibrio, la claridad, la riqueza, y la contención emocional. Como tal, el neoclasicismo fue una reacción contra la emotividad desenfrenada y la ausencia de forma percibida en los últimos tiempos del Romanticismo, así como una "llamada a la orden" después de la efervescencia experimental de las dos primeras décadas del siglo XX. El impulso neoclásico encontró su expresión en características tales como el uso de fuerzas que realizan pared hacia abajo, haciendo hincapié en el ritmo y el contrapunto (textura), una armonía tonal actualizada o ampliada, y una concentración en la música absoluta en comparación con la romántica la cual era música de programa.
En forma y la técnica temática, la música neoclásica se inspiró en la música del siglo XVIII, aunque el inspirador canon perteneció tan frecuentemente a la barroca y períodos incluso anteriores en cuanto a la clásica, la música, que se inspira en concreto desde el Barroco a veces se llama neo-barroco. Neoclasicismo tenía dos líneas nacionales distintas de desarrollo, Francés (proceder en parte a la influencia de Erik Satie y representada por Igor Stravinsky , que en realidad era de origen ruso) y alemán (procedente de la " nueva objetividad " de Ferruccio Busoni , que era en realidad italiano, y representada por Paul Hindemith ). El neoclasicismo fue una corriente estética en lugar de un movimiento organizado; incluso muchos compositores no lo suele considerar como "neoclásicos" absorbidos elementos del estilo clásico.





Se considera que el neoclasicismo comienza en particular junto con una obra de Stravinski, Pulcinella, u otras obras posteriores, como en el Concierto para piano e instrumentos de viento (1924) la Sonata para piano (con referencias a Bach, 1924), la Serenata en la (1925), The Rake´s progress (Stravinski), Persephone (Gluck), El beso del hada (Chaikovski), la Sinfonía en do (Haydn), Oedipus Rex (con referencias que van desde Händel a Verdi) dando su declive con los réquiem Canticiles.
Aunque el término "neoclasicismo" se refiere a un movimiento del siglo 20, hubo importantes precursores del siglo 19. En piezas como Franz Liszt 's À la Chapelle Sixtina (1862), Edvard Grieg ' s Suite Holberg (1884), Piotr Ilich Tchaikovsky 'divertimento de s La dama de picas (1890), de George Enescu ' s Piano suite en el Antiguo Style (1897) y el concierto de Max Reger en el viejo estilo (1912), compositores "vistieron su música con ropa vieja con el fin de crear una evocación sonriendo o pensativa del pasado" ( Albright 2004 , 276).

En Francia, por esos años, el Grupo de los Seis está en actividad y tres de sus integrantes, Francis Poulenc, Arthur Honegger y Darius Milhaud puede considerarse que componen obras neoclásicas. También lo hacen Henri Sauguet y Charles Koechlin. El neoclasicismo gozaría de una amplia presencia en Italia, donde encontramos a Alfredo Casella, Gian Francesco Malipiero, Ildebrando Pizzetti o Giorgio Federico Ghedini.


El principal propósito de los compositores neoclásicos era personificar sus ideas a través del empleo de algo bello. La música deja de representar conmociones excesivas y evita acompañamientos pesados o melodías complicadas. El estilo neoclásico musicalteia la itención de expresar los siguientes propósitos: - Desaparecer el bajo continuo y en su lugar se acompaña con los acordes repetidos, con arpegios...
 - El ritmo del acompañamiento se vuelve más suave y natural que en el Barroco.
- La melodía principal se construye casi siempre de forma simétrica, con frases de cuatro u ocho compases.
- Se perfeccionan las formas anteriores. La sonata clásica es la forma más clara de este estilo.
- Los compositores intentan que las obras guarden las proporciones precisas. Utilizan la forma sonata en todo momento.
- Se forman agrupaciones instrumentales fijas, buscando el equilibrio de los diferentes timbres, como el cuarteto de cuerda o la orquesta clásica. Música de cámara => "Cámara" significa "habitación". La denominación de música de cámara proviene del lugar donde se practicaba generalmente, y suele ir referida a la sala privada de un rey, príncipe, rico señor o alto cargo eclesiástico. Hoy concebimos por música de cámara la ejecutada por un conjunto pequeño de instrumentistas. Así mismo se utiliza el término orquesta de cámara para nombrar a una pequeña orquesta, compuesta por unos pocos instrumentos de cuerda o instrumentos de cuerda con algunos instrumentos de viento o de percusión. En el periodo clásico, aparece la música sinfónica, creada para orquestas con mayor número de instrumentos.

Aquí hay algunos compositores neoclásicos
·        Arthur Berger
·        Ernest Bloch [ cita requerida ]
·        Carlos Chávez ( Oja 2000 , 275-79)
·        Salvador Contreras
·        Cecil Effinger [ cita requerida ]
·        Lukas Foss
·        Pierre Gabaye
·        Vagn Holmboe
·        Stefan Kisielewski
·        ISA Krejčí
·        Ernst Krenek
·        Robert Kurka [ cita requerida ]
·        Gian Francesco Malipiero [ cita requerida ]
·        Marcel Mihalovici
·        Goffredo Petrassi
·        Gabriel Pierné ( Hurwitz nd ; Lewis nd ; Sharpe 2009 )
·        Maurice Ravel
·        Knudåge Riisager
·        Albert Roussel
·        Harold Shapero
·        Alexandre Tansman
·        Michael Tippett
·        Dag Wirén
·        Sergei Prokofiev


Cibergrafía

Wikiteka.com. (2016). Características de la música neoclásica | Música | Wikiteka, apuntes, resúmenes, trabajos y exámenes de Secundaria, Bachiller, Universidad y Selectividad. [online] Available at: https://www.wikiteka.com/apuntes/caracteristicas-de-la-musica-neoclasica/ [Accessed 28 Oct. 2016].

Classicstoday.com. (2016). Major Discoveries: Pierné's Ballet Masterpiece, Repackaged - Classics Today. [online] Available at: http://www.classicstoday.com/review/review-6166/ [Accessed 28 Oct. 2016].

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sábado, 22 de octubre de 2016

Orquesta Filarmonica

E
n el aspecto histórico una orquesta filarmónica era una agrupación de gente que estaba formada por aficionados a la música y no era necesario que fueran músicos profesionales, aunque esta costumbre ya ha desaparecido y en la actualidad una orquesta filarmónica es equiválete a una sinfónica de manera que ahora usamos los dos vocablos de manera indistinta incluso entre profesionales ya que este tipo de agrupaciones coinciden en casi todos los aspectos.


Una orquesta filarmónica tiene una gran repercusión en la cultura a nivel occidental. Está conforma un conjunto instrumental el cual toca de tal forma que distintos de instrumentos suenen al mismo tiempo o sea al unísono. Para lograr esto deben igualar su técnica de manera que el nivel de ejecución sea equiparable en toda la orquesta además de estar sumamente atentos a las indicaciones del director. Tiene un número aproximado entre 95 y 106 instrumentistas y además forma parte de conciertos sinfónicos de obras de teatro lírico, actuaciones de ópera o de ballet.  


El vocablo «orquesta» tiene origen a través de un término latino que se empleaba para designar a la zona delantera al escenario consignada al coro y simboliza ‘lugar para bailar'.
La orquesta filarmónica que actualmente conocemos tiene origen en Europa, más concretamente en los países de Francia y Gran Bretaña en la época de los siglos XVII y XVIII. Esta especie de orquesta y modalidad musical proviene de antiguas orquestas que tocaban música de cámara en salones y palacios de las cortes para los ministros y los reyes.
Este tipo de orquestas están conformadas en cuatro partes secciones las cuales se les denomina familias. Estas son las de los instrumentos de cuerda, los de aliento de madera, los de aliento de metal y los de percusión. Esta clasificación proviene de los materiales empleados que se implementan durante la construcción de los instrumentos que conforman la orquesta, se realiza de forma sistemática en función de su forma de ejecutarse, su localización en el escenario y la evolución histórica que cada instrumento musical haya tenido ya que por ejemplo, un saxofón actualmente no se fabrica de madera, sin embargo se clasifica dentro de la familia de maderas-viento. Esto significa que la clasificación de estos instrumentos tiene más que ver con el sonido que producen obedeciendo también a la forma en la que estos se tocan y construyen.

Conforme al sonido, los instrumentos de cuerda de arco participan de manera principal (un ejemplo de ellos podrían ser el violín, la viola o el violonchelo, los cuales son semejantes en su estructura además de que el más pequeño produce sonidos agudos y el de mayor tamaño sonidos más graves). A esta familia de instrumentos se precisa añadirle otros dos instrumentos tales como el arpa y el piano.

Al último intervienen en la orquesta los instrumentos de aliento – madera, que poseen una boquilla hecha de bambú, caña o un bisel a través de las cuales el ejecutante sopla producido el sonido que es característica de esta familia, a esto le añadimos que varios de estos instrumentos tienen un mecanismo de pistones o llaves que se accionan acortando el largo del tubo del instrumento donde el sonido resuena (esta sección está formada por el flautín, la flauta, el oboe, el corno inglés, el clarinete, el fagot y el contrafagot). E la orquesta filarmónica también podemos encontrar instrumentos como las trompetas, las trompas o los trombones y en la parte exterior de la agrupación podremos visualizar a los instrumentos de percusión como tambores o timbales y en casos menos frecuentes un xilófono. Todos estos instrumentos musicales se clasifican en tres familias las cuales son, la de cuerda, la de viento y la de perdiciones.





Cibergrafía

MuyInteresante.es. (2016). ¿Qué diferencia hay entre una orquesta sinfónica y una filarmónica?. [online] Available at: http://www.muyinteresante.es/cultura/arte-cultura/articulo/ique-diferencia-hay-entre-una-orquesta-sinfonica-y-una-filarmonica [Accessed 23 Oct. 2016].

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Historiaybiografias.com. (2014). Diferencias entre una orquesta sinfonica y una filarmonica. [online] Available at: http://historiaybiografias.com/miselaneas3/ [Accessed 23 Oct. 2016].

Filarmonicadelasartes.com. (2016). Orquesta Filarmónica de las Artes. [online] Available at: http://filarmonicadelasartes.com/ [Accessed 23 Oct. 2016].


viernes, 21 de octubre de 2016

Poema sinfónico

E
l poema sinfónico se refiere a una obra de carácter más allá de lo musical (extra musical) con cualidades poéticas literarias y liricas que en conjunto su objetivo es mover sentimientos y provocar sensaciones intensas como en la época romancista solo que aplicado a la música impresionista. Una de sus características es que describe algunas escenas a través de la música y las imágenes que esta pueda formar. En la mayoría de los casos los poemas sinfónicos están
Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El poema sinfónico es una guía para el desarrollo de la forma musical como tal en términos técnicos.

El término fue aplicado por primera vez por Franz Liszt que escribió trece composiciones de este género. La música descriptiva fue sin duda el mejor camino para transmitir obras literarias, ya fueran de carácter religioso, épico, heroico, fantástico, etc. pero será con el poema sinfónico donde ésta encuentre su más fuerte forma de expresión.

Un poema sinfónico puede ser una obra en sí misma, o formar parte de un ciclo de poemas sinfónicos a modo de suite. Un ejemplo de esto es Má vlast (Mi patria) de Bedřich Smetana, formado por seis poemas sinfónicos.
Lo opuesto a poema sinfónico sería la música absoluta, la cual no se basa en asociaciones sino en la música misma.



Algunos de los principales compositores de poemas literarios son:
Héctor Berlioz, precursor del género con sus obras Sinfonía fantástica y Harold en Italia.
Piotr Ilich Chaikovski
Claude Debussy
Antonín Dvořák
César Franck
Franz Liszt, creador del género
Aleksandr Lokshín
Ottorino Respighi
Nikolái Rimski-Kórsakov, autor de Scheherezade, obra basada en Las mil y una noches.
Camille Saint-Saëns
Jean Sibelius
Bedřich Smetana
Richard Strauss
Ígor Stravinski
Heitor Villa-Lobos





Cibergrafía

YouTube. (2016). (ɔ) Sibelius. Poema Sinfónico "Finlandia" Op.26. Orquesta Royal Philharmonic/ Petrenko. [online] Available at: https://www.youtube.com/watch?v=agmf8E9NFtw [Accessed 23 Oct. 2016].

Mcarmenfer's Blog. (2011). La Sinfonía programática y el Poema sinfónico. [online] Available at: https://mcarmenfer.wordpress.com/2011/08/02/la-sinfonia-programatica-y-el-poema-sinfonico/ [Accessed 23 Oct. 2016].

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Melómanos. (2016). Poema Sinfónico I Melómanos.com. [online] Available at: http://www.melomanos.com/la-musica/formas-musicales/poema-sinfonico/ [Accessed 23 Oct. 2016].


Periodo Impresionista

E
l Impresionismo musical es una corriente musical brotada al concluir con el siglo XIX y comienzos del XX más concretamente en la música francesa, con la intención de los compositores de probar nuevas combinaciones y mezclas entre instrumentos con el fin de conseguir una mayor riqueza tímbrica. En el Impresionismo musical se da mucha prioridad a los timbres, con los que se consiguen diversos efectos. Asimismo, se identifica porque los tiempos no son lineales, sino que se componen en sucesión de impresiones. Se emparenta de esta manera con el Impresionismo pictórico, que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color.
Impresionismo musical en Francia
El impresionismo musical fue encabezado por el compositor francés Claude Debussy. El movimiento, influido por los pintores foco impresionistas franceses y por la poesía de Paul Verlaine, Charles Baudelaire y Stéphane Mallarmé, acentúa el color tímbrico y el humor en vez de estructuras formales tales como la sonata y la sinfonía. Debussy, que también era crítico musical, enfocó el impresionismo como reacción tanto al interés formal del clasicismo de compositores como Wolfgang Amadeus Mozart o Ludwig van Beethoven y la excitación emocional del romanticismo en músicos como Robert Schumann y Franz Schubert. Para la consecución de este fin Debussy concertó elementos innovadores y tradicionales. Por una parte, utilizó la escala de tonos enteros e intervalos complejos que hasta ese momento no se habían utilizado, desde la novena en adelante. También recurrió a los intervalos de cuartas y quinta paralelas propias de la música medieval. Estos recursos técnicos aparecen en el temprano poema sinfónico Preludio a la siesta de un fauno (en el original: Prélude à l'après-midi d'un faune) de 1894, basado en un poema de Mallarmé. La extensa obra pianística de Debussy requirió nuevas técnicas interpretativas, que incluían un generoso, pero sensible uso de los pedales para crear un torrente indiferenciado de sonido.
La música impresionista francesa continuó su evolución en la obra de Maurice Ravel. Otros compositores de esta escuela en Francia fueron Paul Dukas, Albert Roussel, Charles Koechlin, Alexis Roland-Manuel, André Caplet y Florent Schmitt.
Al comienzo de la I Guerra Mundial en 1914 el gran refinamiento, así como las limitaciones técnicas del impresionismo musical, provocaron críticas adversas de compositores y críticos. Un nuevo grupo de compositores franceses antirrománticos, Les Six (Los Seis), influidos por Erik Satie, satirizaron y rechazaron lo que consideraban excesos de esta corriente. El impresionismo, concebido por Debussy, como tendencia contraria al romanticismo, fue visto como la fase final de la música romántica.



COMPOSITORES MÁS DESTACADOS
·        Claude Debussy
·        Isaac Albéniz
·        Manuel de Falla
·        Maurice Ravel
·        Erik Satie
·        Joaquín Turina
·        Ottorino Respighi
·        Albert Roussel
·        Paul Dukas

INSTRUMENTOS MUSICALES
·        Laúd
·        Clave
·        Arpa
·        Guitarra
·        Mandolina
·        Espineta
·        Virginal
·        Clavicordio
·        Violonchelo
·        Violín
·        Violón
·        Contrabajo
·        Zanfona
·        Rabel
·        Trompeta
·        Saxofón
·        Trombón
·        Corno inglés
·        Tuba
·        Trompa
·        Sacabuche
·        Oboe
·        Chirmía
·        Flauta dulce
·        Flauta
·        Clarinete
·        Flauta traversa
·        Gaita
·        Fagot
·        Contrafagot
·        Museta
·        Bajón
·        Pífano
·        Espineta
·        Virginal
·        Órgano
·        Piano
·        Clavicordio 
·        Campana
·        Pandereta
·        Timbales
·        Tambores
·        Tamboretes
·        Tejoletas
·        Platillos
·        Triángulo
·        Carillón
·        Atabales

Principales obras impresionistas
·         Claude Debussy, principal exponente del impresionismo musical.
·         Claude Debussy (1862-1918)
·         Prélude à l'après-midi d'un faune (Preludio a la siesta de un fauno) (1894)
·         Pelléas et Mélisande (Peleas y Melisandra) (1903)
·         La Mer (El mar) (1905)
·         Manuel de Falla (1876-1946)
·         Siete canciones populares españolas (1914)
·         Noches en los jardines de España (1909-1915)
·         Maurice Ravel (1875-1937)
·         Jeux d'eau (Juegos de agua) (1901)
·         Daphnis et Chloé (Dafnis y Cloe) (1912)
·         Ottorino Respighi (1879-1936)
·         I pini di Roma (Los pinos de Roma) (1924), usada en la banda sonora de Fantasía 2000.
·         Albert Roussel (1869-1937)
·         Evocations (Evocaciones) (1910-1911)
·         Le Festin de l'araignée (El festín de la araña) (1912)
·         Bacchus et Ariane (Baco y Ariadna) (1930)
·         Paul Dukas (1865-1935)
·         L'Apprenti sorcier (El aprendiz de brujo) (1897), célebre gracias a la película animada Fantasía.
·         Ariane et Barbe-Bleue (Ariadna y Barbazul) (1907)

Cibergrafía

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